On aurait voulu que derrière le buzz, derrière le phénomène, derrière la hype, derrière l’emballage marketing évident et assumé, se cache quelque chose de nouveau, de surprenant. On aurait voulu contredire les contradicteurs, les haters, les détracteurs avec un album qui les fasse taire et reconnaître que Lana Del Rey c’est une véritable artiste et pas un simple personnage.

Il n’en est rien.

Born To Die, c’est l’album surproduit auquel on a tenté d’insuffler une âme, de préférence avant sa sortie, pour camoufler le subterfuge. La voix envoutante de Lana Del Rey — son produit d’appel, en quelque sorte — se retrouve noyée dans des titres où les arrangements finissent par distraire l’écoute au lieu de la renforcer. Les carillons, échos et autres réverbérations sont autant de couches de maquillage sonore pour tenter de nous faire refuser la terrible vérité : Lana Del Rey, c’est creux.

On y avait pourtant cru. L’entêtant Video Games (hors prestation live), le séduisant Blue Jeans… et puis quand même le côté très pop de National Anthem qui commençait à nous mettre la puce à l’oreille. Et au  final, quand l’album Born To Die débute par le titre éponyme Born To Die, on se dit qu’on a déjà fait le tour. D’autant que les titres que l’on ne connaissait pas n’ont rien de marquant, à l’image de Carmen et son intermède chanté en français, tellement cliché. On gardera une petite mention pour Summertime Sadness qui, à l’instar de National Anthem, ne cherche même plus à masquer la soupe populaire que la production tente de placer. Un acte d’honnêteté que l’on saluera.

Le verdict sur Lana Del Rey est donc tombé, comme on s’y attendait, à la sortie de l’album. Qui tombera vraiment dans le panneau ? Car finalement c’est assez clair, Born To Die porte terriblement bien son nom : c’est un disque mort-né.

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Quant à la musique, comme d’habitude nous sommes dans un registre vocal et instrumental plutôt hypnotique, franchement répétitif. Une vraie secte ces We Have Band.

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Pour ce nouvel album, malheureusement, la recette ne prend plus. Something semble avoir plusieurs trains de retard en ne faisant absolument pas évoluer le groupe sur un registre qui depuis a été largement exploité par d’autres. Pire : on a la désagréable impression d’entendre la même chanson se répéter sur une bonne première partie de l’album. Il faudra l’originalité du titre Amanaemonesia pour réveiller sensiblement l’auditeur, et tant mieux car il s’agit de l’un des singles choisis. Mais la gentillette pop que dégage Something semble insuffisante à lui donner de la profondeur et à l’empêcher de se faire rapidement oublier.

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20h. La première partie démarre sans sourciller ; PORTUGAL. THE MAN est aussi un groupe avec un peu d’ancienneté, mais qui doit ici réveiller la fin de journée. Pour une grosse demi heure de set, si on n’a rien à leur enlever leur passage se révèlera quand même anecdotique. La faute à une suite de morceaux pas forcément distincts les uns des autres, et surtout des BLACK KEYS dont on piaffait déjà d’impatience de les voir arriver…

21h20. Après quelques minutes pour se faire désirer (normal), les BLACK KEYS débarquent, prêts à nous en coller une bonne avec dès l’intro Howlin’ For You, un des titres les plus efficaces. Et c’est peu dire, mais en 7 albums le groupe a enchaîné les tubes (connus ou non), et n’a plus qu’à piocher pour nous abreuver de riffs ravageurs. Evidemment, priorité à BROTHERS, l’avant dernier album, et EL CAMINO, sorti le 6 Décembre dernier, qui ne sont pas démunis de munitions, mais ATTACK & RELEASE est aussi bien cité. Accompagné de deux camarades musiciens, le duo enchaîne sans sourciller, inquiétant au passage sur quelques pauses bien longues : on ne sait trop si le batteur Patrick Carney vient de perdre un doigt ou non.. mais continue quand même. Ouf! Délaissant leurs accompagnateurs pour quelques morceaux, les BLACK KEYS confirment quand même que pour faire du bon rock, 2 est un bon chiffre. Terriblement efficaces à eux deux, les BLACK KEYS servent un set de 23 titres sans fatiguer, ni forcément en faire plus (on a l’impression que le passage au Zénith formate terriblement les concerts, jeu-set-match), face à une salle plus que remplie. Peu importe, on est largement rassasiés, ayant l’impression que cela pourrait durer des heures. Et oui, on en redemande!!

La SetList de Lilles (la veille au soir), qui doit ressembler peu ou prou à celle de Paris, non encore confirmée.

Crédits Image : Mgcinema

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D’abord, il n’y a pas de fausses promesses. L’album débute avec une intro de 2 minutes, rampe de lancement pour l’un des premiers moments forts, le titre Child. A partir de ce moment tous les fans de la première heure auront compris l’évolution du groupe, et elle est admirable. Le disque est capable d’aller chercher des auditeurs avec des pistes que n’auraient pas renié Muse (Ayla) ou Coldplay (Heave), tout en imprimant sa marque sur d’autres, comme Go ou l’emblématique Forever I’ve Known. A côté, des morceaux poussés en single comme Pelican passe pour des titres de seconde zone, et si la mutation du groupe a réussi sur vous ils vous sembleront trop “rétro”.

Avec Given To The Wild, The Maccabees signent leur album le plus charismatique. Poussés par de bons conseils, ils ont décidé d’élargir leur registre au public sans pour autant tomber dans des compositions trop pop. Bien au contraire, l’album est un subtil mélange de sonorités séduisantes et de côté intime et réservé, comme rarement on en entend. Le résultat est excellent.

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Bon teasing régulier avant la sortie de l’album, on se regarde donc le clip de Brother réalisé par l’agence SE7EN.

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C’est probablement dans cette simplicité que Fleet Foxes trouve son succès. Le groupe de Seattle enchaîne les titres mélodieux, très vocaux, avec de nombreuses petites envolées. Le brillant et épique The Shrine/An Argument (plus de 8 minutes) est le parfait symbole du disque. La guitare acoustique y est très présente avec l’inévitable Robin Pecknold qui posé sa voix quasiment sur la continuité (sauf le pur instrumental The Cascades). Mais avouons-le, on aime aussi quand Helplessness Blues s’énerve un peu (tout est relatif) comme sur Sim Sala Bim où ça gratte un peu plus vite et fort sur les cordes. C’est pourquoi, même avec tout le bien que l’on pense de Fleet Foxes, on aura du mal à le passer autrement qu’en hiver.

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Fort heureusement, Pumped Up Kicks ne se retrouve pas seul sur Torches. Une tripotée de pistes — pas forcément du même niveau, c’est vrai — agrémente le disque et son ambiance pop-rock dansante imparable. Personne ne s’y trompera puisque ces pistes sont aussi sorties en singles : Helena Beat, Call It What You Want, Don’t Stop (Color On The Walls). Si vous êtes attentif vous constaterez que l’on vient de citer les quatre premiers titres de l’album, ce qui peut révéler des lacunes sur toute une seconde moitié de Torches. Perdu : Houdini viendra rejoindre ses amis, et d’autres morceaux se révèlent très intéressants par leurs sonorités, comme Waste qui penche un peu du côté de MGMT, ou Life On The Nickel.

Torches est donc un album très réussi, qui rend confiant sur la suite des événements concernant Foster The People. Le groupe semble avoir déjà conquis toutes les tranches d’âge (y compris les plus jeunes) ce qui lui assure un soutien bienvenu pour le prochain album.

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A ce titre, El Camino est ultra-prévisible : il agit comme un rouleau compresseur, dès son premier titre Lonely Boy à l’efficacité incontestable.

El Camino, ce sont donc 11 titres calibrés pour rythmer n’importe quelle situation. Peut-être que les plus exigeants trouveront quelques réutilisations ou recyclages de ce que le groupe nous avait déjà offert par le passé… Mais cela n’enlèvera rien à ce constat : The Black Keys offrent encore une fois un très grand album rock.

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